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RETURNING TO THE SCENE OF THE CRIME, DE AT SWIM TWO BIRDS

admin — Fri, 15 May 2009 23:33:00 +0000

Roger Quigley publicó en el 89 “1969 till god knows when…” un primer disco que no tardó en agotarse y ser descatalogado rápidamente, hasta convertir su talento en un dúo junto a Mark Tranmer, un compositor de oficio y vocación minimalista, formando The Montgolfier Brothers al año siguiente, publicando “Seventeen Stars”.

En el 2002 volverían con “The World is flat”, colocándose definitivamente la corona del melodramatic pop inglés, como inventores del globo, esa plasticidad flotante. La estela de la melancolía inglesa, desde Piano Magic hasta the Czars, brilla hoy con At swim two birds –Roger Quigley convertido nuevamente en solista- en toda su intensidad. “Returning to the scene of the crime” es el resultado de lo que inicialmente fue la pretensión de la disquera independiente Green Ufos por editar “1969 till god knows when…” En el camino Quigley decide perfeccionar cada uno de sus temas, grabando nuevamente cada uno de ellos, re-interpretando cada instrumento.

Quigley vuelve nuevamente a la escena del crimen, con el peso de haber cometido un atentado cuya gravitación emocional desnuda en su decantación, siguiendo la ruta de Francis Scott Fitzgerald: “Toda vida es, desde luego, un proceso de demolición.”

Solo para ser descubierto es que el asesino vuelve a la escena del crimen.

J. Ayala / 16 de mayo del 2009

MUSIC HOLE, DE CAMILLE

admin — Tue, 10 Mar 2009 16:06:00 +0000

Llegué a Camille por una provocación propia de extraños. La postal de mi encuentro es casi una historia de la indiscreción y al mismo tiempo un exceso de discreción. Durante las primeras visitas a casa de mi novia, dos voces –original y réplica- provocaban un freno irrenunciable poco antes de lanzar mi dedo índice sobre la campanilla del timbre, gesto que terminaría alterando mi destino y el curso normal de la chanson. Al otro lado de la puerta, su hermana menor, coreando con una excitación propia de ex alumna de Alianza Francesa, sometía su cuerpo, su casi tímida adolescencia, su contemporaneidad con la mía, el aire secreto de la experiencia impura y corrupta, al encanto de la juventud de esta francesa que alborotó la institución universitaria en un rictus inédito: la Facultad de Ciencias Políticas se animó a recibir Le sac des filles, el primer disco de Camille, como su tesis de licenciatura cuando ella tenía 24 años y necesitaba graduarse.
¿Cuánto tiempo tuvo que pasar para que yo me animara a tomar como propia esa juventud? (Porque la juventud es lo perdido, solamente hay noción de la juventud en el momento en que se la perdió). ¿Durante cuánto tiempo tendría que postergar mis visitas viéndome –como en una pantalla- oir desde el otro lado el encanto de una juventud que tomé como mía y al perder ya empezaba a envidiar? ¿Como podría tomar como propia esa impostura? ¿Como podría yo, tan ajeno a las formas comunes del entusiasmo, vivir ese grito apócrifo, hallar un nombre a lo que oía intentando no llamar la atención, ajeno –como la hermana de mi novia- a toda clase de bondades y a todo altruismo que se construya a los cuatro vientos?El tiempo suficiente para que mi novia y el recuerdo trascendental de sus amistades atravesaran con un rayón la superficie del disco en sus extremos, dejando inútil toda intención de abandono. Adivinar el destino –y el colmo de la justificación- que perseguiría la búsqueda del disco tiene una lógica.

Sola –como en la juventud de la hermana de mi novia-, utilizando un sintetizador o un teclado, o utilizando incluso su propio cuerpo como órgano percutor, compitiendo con los sonidos guturales extraídos de una pulsación –y una boca- extrañamente lírica. Descolgando en cada uno de sus shows una parte experimental y una parte del music hall -un lado provocadoramente francés-, Camille Dalmais dejó de ser una incógnita. Pasó de ser una de las voces de Marc Collin y Oliver Libaux (con el clásico Guns of Brixton de The Clash en Nouvelle Vague), a ser la más extraña contrabandista que haya poblado la escena francesa. Puede apropiarse del escenario y postergar el canto para tatuar en su rostro un hilo (le fil = el hilo) o someterse –con la beligerancia propia del sadismo orquestal- a las palmadas del pianista sobre su espalda, al arrebato infantil sobre las teclas -que heredó de Ray Charles- o al caústico recitar y juego con las palabras.

En Music Hole –podemos descubrir la ironía del título-, el último y tercero de sus discos, Camille arriesga por un sonido que se estructura de repeticiones y loops continuos. Un disco de arquitectura minimalista (el tema número 5 es un homenaje a las hermas “Cocorosie” Cassady) que va alejándose de sus anteriores trabajos con una intención mucho más delirante, provocadora y compleja, que ha terminado por convencer a algunas de sus fanáticas que llegó el momento de abandonarla y distraerse en otros sonidos. Quizás sea porque Camile pretende pasar desapercibida. Y al parecer lo ha logrado.A otros, sin embargo, no nos provoca otra cosa que seguir disfrutándola.

Camile es el soplo vital que necesitaba la canción francesa.

Jorge Ayala Salinas / 10 de marzo del 2009

HERCULES AND LOVE AFFAIR, DE HERCULES AND LOVE AFFAIR

admin — Sat, 03 Jan 2009 05:07:00 +0000

Desde la aparición del pathos Anthony Hegarty, han sido varias y muy distintas las intenciones de utilizar el corpus vocal del artista. De Lou Reed a Cocorosie, de Bjork a Joanna Newsom, de Boy George a Matmos y de Rufus Wainwrigth a Reuben Butchart, cada proyecto ha intentado capturar la poderosa expresión dramática de su cuerpo (de ser uno de los abanderados de la escena undergorund newyorkina, ha pasado a convertirse en una figura mediática. ¿Qué resonancia hubiese tenido Hercules and love affair sin su presencia?). Hoy le toca el turno al Dj Andrew Butler bajo DFA, el sello que ha definido el indie (LCD Soundsystem, Hot Chip, The Rapture, Shocking Pinks) bajo el arrebato de la sensualidad, la ironía del pasado, la mitologización y fragmentación del tiempo y del cuerpo, la hibridación genérica y la reelaboración de arquetipos, temas y paradojas. Hercules and love affair mezcla con un relieve de reminiscencias grecolatinas, la fiesta y la tragedia combinando la delusión percusiva y orgiástica elegida por Butler junto al dramatismo conjetural de Anthony Hegarty. Es este el contrapunto más atractivo del disco en que seriamente se relaja Hegarty mientras prepara The Crying Light, su tercer disco con los The Johnson´s, para este año.
El proyecto de Butler incluye la perturbadora belleza de Nomi (una de las favoritas de Cocorosie y estrella de voodooeros, la nueva disquera fundada por las hermanas Cassady) y la electrónica funk de la Dj Kim Ann Forman. Juntos, dejan inhalar el espíritu del que probablemente será el hit discotequero del año: Blind (que además cuenta con un excelente videoclip).

Quizá esta haya sido una brillante oportunidad para Anthony Hegarty: halló el modo de homenajear a su admirado Boy George.

J. Ayala / 3 de enero del 2009

NUEVO Y RARO de Julieta Venegas

admin — Sun, 10 Aug 2008 04:57:00 +0000

La frontera es ya un logotipo mexicano. Lejos del mundo, Julieta Venegas sorprende en Nuevo y Raro, su última aparición post unplugged (luego del de Charlie García, y completamente exitoso, uno de los mejores que se han visto en la señal latina de MTV), con el díptico “No somos de aquí”/“Mi principio”, que con escasos 6 minutos supera honestamente las pretensiones pseudogeográficas, pseudointerculturales y pseudoexperimentales de su compatriota Gonzáles Iñárritu, estableciendo una relación vilipendiada en la narrativa del pop latino: la relación entre intimidad y política como una misma dimensión, con una escala sentimental que se quiebra, se rompe y reordena. Ya desde la portada, Julieta Venegas nos atrapa con la mirada del conspirador; aquella que nos dice que ella y nosotros estamos atrapados en esto.
Venegas y su rayo de luz transforman, nos hacen olvidar por un momento lo insoportable que resultan ciertas razones (MTV, Coti, Miranda) con canciones cuya sencillez, resultado de esa rara mezcla entre inteligencia, convencionalismo y placer culposo, superan la vulnerabilidad actual del pop latino. Definitivamente nuevo y raro.

J. Ayala / 9 de Agosto del 2008

BODYSONG, DE JONNY GREENWOOD

admin — Mon, 05 May 2008 22:09:00 +0000

Cuando Simon Pummel terminó de rodar su docu-experi-mental, pensó de inmediato que venía lo más difícil. Luego de vivir encerrado y enterrado en los archivos de filmotecas de todo el mundo recogiendo imágenes producidas en los últimos cien años de cine, que le permitirían capturar la esencia del funcionamiento del cuerpo humano y su devenir con las transformaciones culturales que atravesaron su experiencia y su representación simbólica, todo esto resuelto con la irresoluta técnica del found footage, sintió una gran excitación: cómo sonorizarla.

A estas alturas sabemos que Bodysong fue el embrión que dio vida a There will be blood (Ganadora del premio a Mejor Compositor otorgado por el Critic´s Choice Award. Aunque fue pre-seleccionada para los Oscar, la banda sonora fue descalificada en su nominación ya que algunos tracks contenían fragmentos de Bodysong y no cumplía con el proverbial requisito de ser inédito.), la banda sonora del film de Paul Thomas Anderson. El responsable, Jonny Greenwood, un ex estudiante de Psicología, contratado en el 2004 por la BBC como compositor, guitarrista y responsable directo de las ondas martenot que hoy son propiedad intelectual de Radiohead, la banda que fundara en el año 92 junto a Thom Yorke.

Antes de resolver las tensiones dramáticas que la presencia de Henry Plainview imponía, Jonny Greenwood ya había debutado antes con una banda sonora del cuerpo y el flujo de la destrucción. La maravillosa puesta en escena que supone la composición de Greenwood para esta experiencia, la experiencia Bodysong, su primer disco solitario, está lejos de ser la experiencia de un joven novato. Si ya en There will be blood Greenwood era capaz de acompañar insidiosamente el ascenso, la caída y la destrucción de Plainview, en Bodysong Greenwood fundaba un estilo. Un estilo que recoge la experiencia electrónica y el sonido experimental junto a las motivaciones de la escuela clásica y el dominio de ese enjambre casi imposible de piano, cuerdas, percusión y sintetizadores. Una energía viral y un estilo clásico-contemporáneo sin los que sería imposible contagiar la fuerza visual de las imágenes recogidas por Pummel y redondear, ominosa, la vital y experimentada obra maestra de Paul Thomas Anderson. ¿Pues quién mejor que Greenwood para comprender las fisuras y dictaduras del cuerpo, el poder y la mente luego de sonorizar Bodysong?

J. Ayala / 5 de mayo del 2008

THIRD, DE PORSTISHEAD

admin — Fri, 11 Apr 2008 16:37:00 +0000

El virulento discurso de quien parece ser un predicador sudamericano rompe con 10 años de permanente huida. Third, contrariamente a las evidencias físicas de su denominación, no es el tercer disco de Portishead. Siguiendo las declaraciones pato-lógicas de Geoff Barrow vendría a ser el cuarto. El tercero es en realidad un disco que destrozaron (como lo hicieron en los 90´s con las convenciones del grunge y el pop británico: el trip hop, la sentencia donde permanecieron mortalmente sensibles) justo antes de alzar vuelo a Inglaterra, luego de 6 semanas de composición: “Una mierda. Portishead siendo Portishead”. ¿Y por qué el rechazo? “Miro atrás y la verdad es que creo que los noventa fueron una puta mierda…Creamos un monstruo… Ese monstruo nos persigue hasta hoy… Fue una grabación horrorosa, dramática, triste. Nos habíamos convertido en una banda para yuppies.” ¿Y por qué diez años? “Me dejó exhausto, odiando la música”.
Diez años le tomó a la banda recuperarse. Beth Gibbons, hoy de 43 años y sonando tan perfectamente dramática (Hunter: “I’ll stand on the edge of a broken sky / and I’m looking down, don’t know why /And if I should fall, would you hold me / would you pass me by?” Y Nylon Smile, el Glorybox de Third: ““I don’t know what I’ve done to deserve you and I don’t know what I’ll do without you”) hizo lo suyo en “Out of season” junto a Rustyman. Algo ha cambiado y del odio al amor hay algunas influencias (desde el krautrock hasta el folk indie, la sinfonía sintética de Vangelis, el noise y la electrónica experimental cercana al Volta de Bjork (claramente en Machine Gun y Nylon smile) en la ruta de composición que varió el disco: “Estas canciones me han hecho recuperar el amor por la música…Aquella excitación que sentí cuando oí por primera vez a Can.” Third suena agresivo (Deep Water es el tiempo que se toman para respirar el oxígeno de la mandolina) porque esta vez Geoff Barrow si ha liquidado venganza. Ha eliminado el sampleo y lo ha reemplazado por una violenta percusión, relacionándose con el pasado espinosamente en su estructura, con ese sombrío romanticismo entre bajo y guitarra. Catatónico y profundamente interior: “Beth siempre se quedó muy frustrada con la imagen edulcorada que dejamos en los noventa y quería ruido. Y, claro, Beth manda. Beth es Beth, No sé si me explico… Somos insoportablemente perfeccionistas”.

Enervar. Es el verbo que hoy podría definir la carrera de Portishead. Y como afirma el predicador sudamericano: “usted solo gana lo que usted se merece”

POSDATA: El disco es promocionado en un pack altamente provocativo, una colección de lujo: dos vinilos y una memoria USB representando la letra más emblemática de la última década del siglo XX. Incluye los once tracks del vinilo y los videos de Machine Gun, We carry on, The Rip y otros más. Pre-orden en amazon.com

J. Ayala / 11 de abril del 2008